Junho 2007

Art South Africa Volume 5: Edição 04

Pierre Fouché; Lawrence Lemoana; Ruth Sacks


EXORCISMO EMOCIONAL
PIERRE FOUCHÉ SE ENVOLVE EM PARTE DE QUESTÕES DE SEXUALIDADE, MAS NÃO DESEJA SEU TRABALHO LIGADO A QUALQUER PÚBLICO ESPECÍFICO, ESCREVE KIM GURNEY.
esquerda direita Pierre Fouché, A distância entre nós eu, 2003, quebra-cabeça de acrílico e caneta sobre papelão encontrado, 135 x 195cm;
Pierre Fouché, A distância entre nós III, 2006, tela com 13 dígitos, fio de algodão com 9 fios, caneta, lápis, marcador, 105 x 107cm.

Conheci Pierre Fouché pela primeira vez no ano passado, durante uma noite de estúdios abertos em Greatmore, em Woodstock, na Cidade do Cabo. Ele estava criando uma pequena tapeçaria, tecendo laboriosamente fios em um tear auto-construído. Outra visitante curiosa declarou-se mais intrigada com o lado oposto da obra, com suas teias de aranha entrelaçadas do que com a imagem de superfície limpa e arrumada. Sua astuta observação foi ao cerne da obra deste artista, que consiste essencialmente em minar a firmeza de como escolhemos ver o mundo - em particular, a falsa sensação de segurança que a fotografia de retrato doméstica transmite.
A exploração do artista vai além da auto-absorção, no entanto. Fouché torce assuntos pessoais para fazer uma observação política. Ele expõe o ventre das relações que preferimos excluir da memória em favor de um todo coeso e caiado de branco. E ele consegue alcançar isso de forma um pouco disfarçado: um de seus retratos recentes de si mesmo e de seu namorado agora parece estar em um restaurante familiar em Londres - para grande satisfação do artista.
Este trabalho fez parte de seu último solo na Bell-Roberts, A Distância Entre Nós. Fouché manipulou digitalmente retratos cotidianos de si mesmo e entes queridos em padrões que serviam de modelo, posteriormente traduzidos através de um trabalho de amor tingido de loucura em obras criadas obsessivamente, compostas por milhares de dados, peças de quebra-cabeças ou fios entrelaçados. O efeito líquido é uma subversão peculiar da normatividade: uma imagem ao mesmo tempo familiar e perturbadora. Sua estética artesanal também contradiz o gosto contemporâneo por objetos produzidos em massa, trabalho terceirizado e uma cultura de conveniência geral - talvez explorando simultaneamente uma crescente tendência contrária a essas mesmas noções.
Fouché está ciente de que os rigorosos sistemas de produção aos quais ele submete suas obras de arte são, como instantâneos, outra tentativa de colocar a realidade em pacotes convenientemente gerenciados. Essas estratégias inevitavelmente falham em algum momento ou expõem uma fraqueza inerente em suas fórmulas impostas artificialmente. Essas peculiaridades são aceitas como parte da leitura da obra de arte - como o espectador Greatmore enamorou dos tópicos desarrumados descobertos. Fouché acrescenta: "É quase como se as obras carregassem as cicatrizes de sua criação forçada".
"GOSTO DE TRABALHAR COM MATERIAL TRADICIONALMENTE CONECTADO A GÊNERO,
E COLOCANDO MEU PRÓPRIO LUGAR NESTE ... APENAS PARA CONFIRMAR UM POUCO. ”
Sua última peça, conduzida como parte do evento marginal de CAPE 07, estendeu esse engajamento com instantâneos ao domínio do desempenho. Ele transformou seu espaço no estúdio do Observatório em um palco improvisado enquanto pronunciava as palavras para uma série de canções angustiadas sobre desejo, amor e perda - temas que se repetem em seu trabalho. Segundo o artista, as músicas pop funcionam como instantâneos, mas de uma maneira mais visceral. Grande parte de sua produção criativa parece um tipo semelhante de exorcismo emocional.
Fouché se envolve em parte com questões de sexualidade, mas não quer que seu trabalho seja rotulado para nenhum público específico: “Estou realmente tentando questionar todos os tipos de categorização ... Nunca há um caso em que a rotulagem se encaixe perfeitamente; sempre há um indivíduo que não se encaixa e, em certo sentido, somos todos esses indivíduos. ”
Portanto, é adequado que Fouché tenda a favorecer médiuns frequentemente associados à feminilidade; ele está ocupado fazendo crochê. "Gosto de trabalhar com material tradicionalmente vinculado ao gênero", diz ele, "e de colocar meu próprio lugar nisso ... só para atrapalhar um pouco". Ele acrescenta: “A cultura popular nos anos 90 tinha uma promessa de ambiguidade tão boa, porque os homens eram representados em papéis muito mais feminizados e com mais gêneros ... Mas parece que estamos voltando a papéis mais hiper-tradicionais e tradicionais, nos quais se espera que os homens sejam homens "reais" de novo, talvez como resultado de uma crise de masculinidade, em vez de apenas abraçar a igualdade. É triste e assustador ver até dentro da comunidade gay como de repente há uma homofobia internalizada. ”
Em março, o artista já estava tendo um ano agitado, que incluía pendurar um trabalho de tapeçaria na ABSA, participar de um show do grupo na Cidade do Cabo e trabalhar em uma comissão privada com vistas para uma exposição de final de ano de 2008. Ele recentemente desistiu do ensino superior. ensinando - no College of Cape Town - a dedicar-se em tempo integral à arte.
Kim Gurney é um escritor freelancer e editor de notícias da Cidade do Cabo, Art South Africa.

Sobre Pierre Fouche: Nascido em 1978, Fouche completou no ano passado um mestrado em Belas Artes (cum laude) na Universidade Stellenbosch. Sua produção abrange vários meios distintos, incluindo materiais para bordar, lápis, papel para artesanato e objetos encontrados re-contextualizados (mais memorável, 6000 dados em resina): “Seu trabalho é auto-reflexivo, silencioso e muito, muito trabalhoso”, observa o historiador da arte Lize van Robbroeck. A Distância Entre Nós (2006), sua mais recente exposição individual, realizada na Bell-Roberts Contemporary, seguiu seu show individual de 2005, Excluídos e não ditos. Ele participou de vários shows em grupo, incluindo o Festival de Escultura Pública do Distrito Seis (1997) Serviço leve (1999) Festival de Artes Queer Sex & Kultuur (2004) e O papel nunca mente (2005).


PARA CIMA E PARA BAIXO
AS BOLAS DE RUGBY BORDADAS DE LAWRENCE LEMAOANA E AS FOTOMONTAGAS FANTÁSTICAS OFERECEM MAIS DO QUE APENAS COMENTÁRIOS IRONICOS SOBRE O ESPORTE DO HOMEM BRANCO. POR SEAN O'TOOLE.
esquerda direita Lawrence Lemaoana, Único, 2006, impressão digital em tela, 42 x 29.7cm; Lawrence Lemaoana, Hierarquia da cor, 2006,
impressão digital em tela, 84 x 118.8cm.

Após minha entrevista com Lawrence Lemaoana, tive que procurar uma palavra que não tinha certeza. "O rugby é realmente um esporte enculturado", observou ele com um sotaque vagamente dos subúrbios do norte - acontece que ele cursou o ensino médio em Highlands North. A web era possivelmente o lugar errado para procurar uma resposta, mas os dicionários que eu havia consultado não eram exatamente úteis: a maioria das entradas para enculturação dizia "ver socialização". Acabei desistindo quando acabei em um site cristão fundamentalista, onde Deus e Noam Chomsky eram citados para explicar como as normas sociais são investidas em crianças pequenas. Como se viu, Lemaoana tinha sido bastante claro: "O rugby é como uma religião".
Talvez seja incomum que Lemaoana faça trabalhos sobre rugby. Incomum, porque aqui temos um jovem negro articulado, interessado em produzir declarações irônicas - usando fotomontagem e às vezes tecidos decorados - para comentar sobre o esporte preferido dos brancos. "No mundo da arte, enfrento pressões para produzir certos tipos de trabalho", ele responde francamente. "Muitas vezes me pedem para aquarelas, barracos e o que não." Ele dá uma risada maliciosa. "Então eu apresento isso."
Questões de permissividade à parte, seu interesse no rugby não é inteiramente sem ressonâncias autobiográficas. "Joguei rugby na província por um tempo, para Highlands North, Soweto, e depois no meu ponto mais alto para o Gauteng Lions u / 18 na Craven Week 2000", explica ele. "Eu joguei no flanco."
Embora derramando lentamente sua imagem elitista (branca), o rugby ainda é prejudicado por inúmeros problemas, à medida que penetra no presente não racial. Jogando em um nível competitivo, era inevitável que Lemaoana se sentisse atraído pela política real do esporte. Usando o trabalho dele Hierarquia de cores (2006) como ponto de referência, ele lembra uma carta contendo os nomes dos jogadores selecionados para o Lions. Alguns dos nomes foram marcados com um asterisco.
"Funcionou para ser todos os negros", esclarece. “No final, a carta explicava a cota de jogadores negros necessária. Isso me fez questionar a mim mesmo. Se somos jogadores de cores, quais são os outros caras? O que eles chamaram? Em que categoria eles se enquadram? Na época, não era uma questão delicada, eu só queria tocar, mas quando comecei a fazer minha arte, questionei essas questões. ”
Não é apenas o esporte que informa a prática de Lemaoana. Suas fotomontagens exuberantemente coloridas e suas obras de tecido também se destacam pela masculinidade exagerada da África do Sul, enquanto manifestam interesse em decoração e adorno. "A maior parte do meu trabalho é em camadas", diz ele sobre as fotomontagens. "Você tem talvez quatro camadas diferentes que foram reduzidas." Além de fotografar amigos e cenas da paisagem em Mpumalanga, ele também levanta imagens da Internet, revistas botânicas e tecidos Shangaan. O resultado, em suas fotomontagens, é “uma paisagem fictícia, um espaço onírico, um espaço construído”.
Quando afirmo que seu trabalho pode parecer vagamente kitsch, ele simplesmente sorri. Ela me aponta para o trabalho dele A discussão (2005), um acampamento remodelado do mural de Da Vinci, A Última Ceia. Ele ganhou o Prêmio Gerard Sekoto do Absa L'Atelier em 2005. "Se você for a qualquer casa em Soweto, encontrará a imagem de Da Vinci". Negociando a “mudança de cenário entre Soweto e a cidade” - uma declaração expansiva latente de possibilidades - ele decidiu revisar essa imagem. O resultado lembra Yinka Shonibare filtrado pelas lentes de um católico Tretchikoff. De alguma forma, funciona
Dado o seu comentário pontudo sobre o rugby e sua deselegância com a questão da raça, pergunto-lhe como foi a sensação de ganhar um prêmio de arte muito conscientemente projetado para resolver um desequilíbrio de cota na arte sul-africana. "Não fez você se sentir como um jogador de cor?" Eu pergunto, usando o título de sua exposição da Alliance Française como ponto de referência.
"Para mim, era apenas mais uma maneira de criar categorias especiais", diz ele. “Ele se liga muito ao rugby. A linha padrão [no rugby] era a seguinte: 'Você tem pessoas que fazem isso há muitos anos, gerações e gerações'. Nosso argumento foi: 'E o talento?' ”. Eu brinco que talvez seja a hora de os artistas negros começarem a competir sob o pretexto de serem brancos - um refinamento, se você preferir, dos artistas brancos que fazem o inverso, Wayne Barker / Andrew Moletsi e , menos charmoso, Beezy Bailey / Joyce Ntobe
"Talvez", ele ri. "Você tem que negociar constantemente o seu caminho."

Sobre Lawrence Lemaoana: Nascido em Joanesburgo (1982), Lemaoana viveu em Welkom antes de retornar a Joanesburgo para concluir seus estudos. Graduado no Technikon de Witwatersrand, onde obteve o Diploma Nacional de Belas Artes (2003), ganhou o 2005 Absa L'Atelier Gerard Sekoto Award. Atualmente matriculado na Universidade de Joanesburgo, onde atualmente está concluindo seus estudos, Lemaoana apresentará uma exposição de novos trabalhos na ABSA Gallery, em Joanesburgo, em junho. Uma exposição itinerante organizada pela Alliance Française será em Joanesburgo (19 de julho a 9 de agosto) e Pretória (16 de agosto a 6 de setembro).


O QUE A RUTH DE NOVO?
DEPOIS DE GANHAR UMA GRANDE COMPETIÇÃO NO ANO passado, sacos de rotina voaram para as Ilhas Canárias, depois não muito tempo depois de Paris. FALA PARA SEAN O'TOOLE SOBRE SUA PRÓXIMA GRANDE PLATAFORMA: A BIENAL DE VENEZA.

Ruth Sacks, Para Si!, 2007, papelão ondulado cortado, dimensões variáveis, close-up da instalação na SMAC, Stellenbosch.

Tem sido um ano de turbilhão e um pouco para Ruth Sacks. Depois de vencer o Absa L'Atelier de 2006, ela partiu para as Ilhas Canárias no final do ano passado para instalar uma obra na Bienal inaugural das Canárias. Pouco tempo depois, ela se viu em Paris, na Cite Internationale des Arts, em Paris, onde atualmente está em uma residência de seis meses. Além disso, a documentação de Não entre em pânico (2005), sua encantadora e discreta instalação de gravação em céu, está em exibição na Bienal de Veneza deste ano. A obra, que faz parte da Coleção Africana de Arte Contemporânea Sindika Dokolo, foi curada na mostra coletiva de Fernando Alvim e Simon Njami Checklist, em exibição no Pavilhão Africano. Em um país propenso à síndrome da papoula alta, as realizações de Sacks provocaram uma reação ciumenta. Art África do Sul recontextualizou algumas dessas farpas, formulando-as como perguntas. A resposta de Sacks oferece uma elaboração lúcida de sua prática.
Trabalhos recentes como Não entre em pânico (2005) e Luar artificial (2006) são muito efêmeros, distintos de não substanciais. Este último me lembra o trabalho de Martin Creed No.227: As luzes acendem e apagam (2000), que eu vi instalado na Bienal de Berlim do ano passado, Of Mice and Men, com curadoria de Maurizio Cattelan. Menciono isso por uma razão. Sua prática parece compartilhar certas afinidades com ambas as estratégias conceituais. Concordar discordar?
Concordo com trabalhos específicos, mas não com suas estratégias gerais, como eu as entendo. Mas eu gosto do senso de humor deles. A mensagem ambígua da intervenção pública de Creed Tudo vai ficar bem (Londres, 2002) sempre me faz sorrir. eu acho que Não entre em pânico capta isso. Quando eu comecei esse corpo de trabalho, observei bastante o trabalho de Cattelan desde os anos 1990 (especialmente Outra porra Readymade desde 1996), mas não tanto mais. Com Luar artificial, minha intervenção foi específica do local, em oposição às luzes vencedoras do prêmio Creed Turner, que podem ser colocadas em diferentes contextos. Quando prendi luzes muito potentes e giratórias no edifício da galeria Los Lavaderos em Tenerife, estava me referindo à história deste último. Há uma longa tradição de um festival sendo realizado naquele local todos os anos para a Virgem de Fátima, que deveria ter se revelado a três crianças através de um show de luzes sobrenatural. Além disso, de acordo com o tema central da bienal, a peça assumiu um contexto maior da situação política das Canárias, através do bloqueio das portas da galeria assim que as luzes se acenderam. Os raios de luz se moviam como holofotes, mas também davam a impressão de algum tipo de evento sendo anunciado. Quando as pessoas vieram ver o que estava acontecendo, o acesso ao interior do prédio foi barrado.
Em uma linha relacionada, você mencionou anteriormente (em correspondência) que seu foco geralmente é "em aspectos da minha vida pessoal, especialmente inseguranças, que tento comunicar através de uma variedade de mídias". Doreen Southwood seguiu uma estratégia semelhante, que vejo que alguns de seus críticos adotaram. Você é admirador do trabalho dela?
Gostaria de saber a quais críticos você está se referindo aqui. Mas eu gosto dos primeiros trabalhos de Doreen, especificamente O mergulhador (2003) e Troféus flutuantes (2002) Gosto do fato de que algumas vezes compartilhamos impulsos semelhantes para expressar tendências neuróticas, enquanto nossa estética e mecanismos de produção mútuos são muito diferentes. Para mim, parece corajoso que ela mostre tanto sobre sua vida pessoal em uma peça como Troféus flutuantes. Em meu próprio trabalho, costumo usar chamarizes visuais para tentar encobrir quaisquer detalhes íntimos diretos.
Uma crítica a Não entre em pânico é que tudo já foi feito antes: James Turrel, Sam Francis e Marinus Boezem. Pessoalmente, não dou muita importância ao fato de que, porque alguém fez algo, agora é proprietário. Fazer arte seria muito menos favorável se uma visão tão estreita da criatividade se tornasse uma ortodoxia. Quais foram suas intenções quando você fez esse trabalho? E como você responde à atitude de "já viu tudo isso antes", expressa por alguns em relação ao seu trabalho?
Yves Klein ficaria irritado por não ter sido mencionado nessa lista. O homem estava convencido de que havia assinado o fundo do céu em uma jornada imaginária e disse que odiava os pássaros porque eles faziam buracos no que ele acreditava ser sua maior obra de arte. Eu acho que seria realmente complicado fazer algum trabalho se os artistas não tivessem permissão para experimentar mídias que já haviam sido usadas. Tradições inteiras de pintura a óleo, escultura em madeira, etc., teriam que ser descartadas. O que seria uma pena.
Semelhante a Não entre em pânico, seu trabalho Para Si! (2007) usa o texto para comunicar uma ideia ou pensamento. Ao contrário do trabalho anterior, é verificável um objeto existente no espaço, uma escultura, se você preferir. Você pode falar sobre a relação entre os dois trabalhos, e também sua motivação para fazer os últimos?
A palavra "DESCULPE" está intencionalmente ausente no rótulo, para que o espectador tenha que trabalhar um pouco mais e andar por pilhas de cartas de papelão com dois metros de altura, a fim de descobrir o que eles soletram da forma dos formulários e dos objetos derrubados. "R" s. A idéia era que um ambiente em que a palavra "desculpe" fosse repetida repetidamente fosse algo que parecesse estranho e desajeitado. Portanto, o pedido de desculpas é responsável pela apresentação de má qualidade e pela falta de legibilidade.
Gosto de usar partes de texto porque, na maior parte das vezes, trabalho com suporte textual de alguma forma. Meu processo com esses trabalhos é um que apliquei com frequência no qual me refiro à minha coleção pessoal de frases. Estes são retirados de outras obras de arte, romances, anúncios, grafites, conversas e músicas pop. Nos exemplos de Para Si! e o Não entre em pânico, Deparei-me com um meio que pensava ser adequado a um contexto específico e depois vasculhei minha lista para encontrar palavras adequadas que fossem aplicáveis.
Sua exposição da SMAC incluiu uma instalação, em suas palavras, "artificial para parecer que 2.5 anos de trabalho foram feitos lá". Sorri quando vi dois livros de Walter Benjamin, ambos dos quais possuo, um dos quais já li parcialmente, o outro simplesmente um grande suporte de livros (por enquanto). Então, você leu Benjamin? E quais dos livros que você não leu, mas que foram exibidos na prateleira, leu primeiro? Por quê?
Eu li Benjamin e o referenciei na dissertação de MFA da minha vida real com a consciência limpa. Eu não pretendo ter passado por toda a Projeto Arcades, Apesar. Com o fato de estar atualmente em Paris e tudo, esse seria o número um na minha lista de desejos de leitura. Eu também tentei vasculhar os livros de segunda mão dentro das capas falsas que compõem essa peça. Espero estar me lembrando corretamente aqui, mas acho que as capas falsas de Walter Benjamin ocultaram um livro anual ilustrado de um menino e também um romance realmente inútil, com uma senhora nua e angustiada na capa.
A peça no SMAC era apenas a estante de livros de uma grande instalação na qual eu criei um estúdio falso que, conscientemente, apresentava a ilusão de representar todo o trabalho que fiz nos últimos 2.5 anos. Havia muita realização de fantasia lá também. Por exemplo, incluí fotografias falsas de pessoas que eu gostaria de ter sido meus amigos no quadro de avisos (como Richard Prince).
Duas perguntas relacionadas, que espero que você responda espontaneamente. Faz uma observação mal-humorada sobre Artheat doeu? E qual é a diferença entre uma crítica ruim e uma publicidade ruim?
Os comentários maldosos sempre doem. Sejam entregues no recreio da escola, em uma festa ou em um blog, esse é o objetivo deles. Acredito que eles dizem mais sobre as pessoas que os fazem do que sobre o assunto da conversa. Por esse motivo, não leio Artheat muito e quando evito as seções de comentários. Eu tenho essa política desde que começou a ficar desagradável. Se alguém não está preparado para colocar seu nome em uma declaração ou manter algum tipo de identidade anônima fixa, toda a diversão se esvai de uma briga de arte sobre o assunto. Por outro lado, se uma revisão é bem pesquisada e escrita por alguém cujo trabalho eu respeito, eu a levo a sério. Mau ou bom.

Sobre Ruth Sacks: nascida em Port Elizabeth (1977), Sacks concluiu um diploma de Honra em Belas Artes na Universidade da Cidade do Cabo (1999), onde atualmente está lendo um mestrado em Belas Artes na Michaelis School of Fine Art. Apresentou dois shows individuais na Galeria João Ferriera, Quando o interior fica dentro (2005) e Trabalhos em cera e plástico (2003). Ela participou de vários shows em grupo, incluindo GIMBERG / NERF / SACOS / JOVENS (2007) na SMAC, Lista 06: A jovem feira de arte em Basileia (2006) em Basileia, e Lista de controle (2007), parte da Bienal de Veneza de 2007. Ela foi selecionada para participar de uma residência de três meses no iaab International Exchange and Studio Program, em Basileia.