Março 2005

Art South Africa Volume 3: Edição 03
Nandi Mntambo; Dineo Seshee Bopape; Stefanus Rademeyer; Langa Magwa; Jacki McInnes


DIVAS HIRSUTE

Nandi Mntambo, inativo, 2004, couro de vaca, fibra de vidro, resina e aço, 900 x 470 x 590mm.

Escultores emergentes que defendem a tendência atual de instalação e novas mídias de ponta ainda precisam manter um pé firme o suficiente no campo de vanguarda para permanecer no radar do mundo da arte contemporânea. Nandi Mntambo, que no ano passado se formou na Michaelis School of Fine Art da UCT, conseguiu esse equilíbrio com tranqüilidade. Os programas de pós-graduação são tradicionalmente penteados por talentos e Mntambo foi escolhido no ano passado. Seu trabalho transmitiu forte impacto visual, habilidade técnica e profundidade conceitual, juntamente com seu impressionante meio.
Mntambo moldou moldes parciais de figuras femininas em peles de vaca, inspiradas em um sonho e escolhidas por suas múltiplas associações culturais. A proposição absurda, mas bem-sucedida, de figuras femininas sensuais, cobertas de cabelos compridos, era atraente e repulsiva. No centro, uma mulher agachada de quatro. Uma série de cinco figuras pendia como roupas em um armário e um tronco na parede. Três pares de pernas cruzadas estavam sentados em cadeiras altas como um comentário sobre a interação feminina.
Mntambo diz: “É sobre como as mulheres 'devem' se comportar uma com a outra. Muitas pessoas preferem ficar caladas ou assistir à distância porque é mais seguro ... Isso também desafia estereótipos de como as mulheres devem ser - a esposa ou namorada peluda. É perturbador e sexy.
Seu trabalho fala muito sobre sua personagem. É envolvente, engraçado, desafiador, subversivo e incomum. “Eu não sou precioso sobre o meu trabalho. É fácil parar e começar de novo ”, diz ela.
Mntambo também está interessado em saber como as perspectivas são influenciadas pela história percebida. Ela estudará este ano para um mestrado em Belas Artes enquanto pesquisa o papel das mulheres negras na história da arte sul-africana. Nesse ritmo, ela provavelmente se tornará parte desse mesmo cânone.

Kim Gurney é jornalista freelancer e editora de ArtThrob no Western Cape.


Peneirar através do cascalho

Dineo Bopape, Crescendo todos os dias, 2004, instalação de mídia mista, dimensões variáveis.

Dineo Bopape concluiu recentemente seu Bacharelado em Tecnologia no Departamento de Belas Artes do Instituto de Tecnologia de Durban (DIT) e é um dos artistas mais promissores que surgiram nesta instituição nos últimos anos. Tendo se formado em escultura, Bopape é um jovem artista versátil e articulado, igualmente em casa, trabalhando em instalação e vídeo. Ela deve aparecer em duas exposições notáveis ​​em 2005: o Projeto de Jovens Artistas da NSA e uma mostra com curadoria de Kathryn Smith para o Klein Karoo Arts Festival de 2005.
Até agora, grande parte da prática de Bopape está preocupada com sua coleta e embalagem obsessivas de coisas principalmente insignificantes. Sua coleta neurótica, guarda e arquivamento obsoleto tornam-se uma investigação do não dito e reprimido, uma metáfora da história e da experiência vividas. O resultado físico de sua acumulação e bagunça interior não estruturada são estruturas soltas, úmidas e flexíveis que mal se sustentam.
No seu último ano, Bopape apresentou uma instalação em um espaço de varejo vazio localizado em um shopping center no centro comercial de Durban.

Dineo Bopape, segredo (e), 2004, instalação de mídia mista, dimensões variáveis.


O espaço era dominado por uma estrutura em forma de tenda meio desmoronada, cheia de sacos de plástico selados, papéis, notas, balões e "segredos". Coletadas do público, as obras foram costuradas nos bolsos, presas, enfiadas e espalhadas.

Um dos trabalhos bidimensionais em exibição justapôs imagens pornográficas hardcore de mulheres negras e genitais com imagens brilhantes de fast-food. Um trabalho corajoso e chocante, mostrou-se extraordinariamente franco, dado o contexto mais amplo em que a imagem dos corpos de uma mulher negra é um terreno tão contestado.
“Meu trabalho se desenvolveu a partir de uma expressão paranóica de estabelecer limites entre coisas privadas e públicas, e uma proteção obsessiva disso”, diz Bopape. “No entanto, esse processo invariavelmente leva à asfixia. A história é bagagem que carregamos e, muitas vezes, também é um fardo que não podemos escapar. Estou interessado em revelar o grotesco, desafiador e repugnante no mundano, a fim de revelar também os segredos (não ditos / não mencionáveis) em espaços íntimos e aparentemente públicos / privados.

Tempestade Janse van Rensburg.


OBJETOS ANTI-PRODUÇÃO EM MASSA

Stefanus Rademeyer, Fissura, 2004, contraplacado laminado, 100 x 185 x 37,5cm.

A marca singular de escultura de Stefanus Rademeyer entrou em domínio público sem aviso prévio. Reconstruções diferidas (1999) e Reconstruções Miméticas (2000), no entanto, existem como exemplos seminais de uma arte que é tão sutilmente eclética. Baseando-se em influências tão diversas quanto a música eletrônica do campo esquerdo, arquitetura minimalista, filosofia pós-estruturalista e metáforas sistêmicas, a arte de Rademeyer é um agregado incomum composto de muitas partes. Dito isto, é melhor manter a referência a suas influências no mínimo. Afinal, Rademeyer é antes de tudo uma arte conceitual onde objetos são meticulosamente renovados, reconstruídos ou - como os títulos de seus primeiros trabalhos sugerem - reconstruídos. As superfícies sedutoras de Rademeyer raramente pretendem apresentar uma cópia ou uma ilusão. Quando ele recria um objeto, é através de um processo de trabalho pontilhado com vários obstáculos intencionais. E se ele disser claramente "eu crio estruturas, as sujeito a várias tensões e depois mapeio cuidadosamente as mutações emergentes", é uma maneira de explicar que suas encenações são marcadas por uma perturbação calculada que desestabiliza as células compostas no sistema .
Os resultados são surpreendentes. Os materiais tornam-se estranhos às suas propriedades tácitas. Massas sólidas são agitadas para estados semi-fluidos. Uma catedral virtual se torna uma aparição de dragão em uma sequência animada em 3D com vista para uma versão em aço soldado de si mesma (em Reconstruções diferidas) Em uma série paralela, caixas de luz equipadas com espelhos quebram a coerência dos conjuntos de símbolos gráficos, multiplicando-os infinitamente. Diante de uma dessas peças, o espectador encontra um campo visual interminável, transformando-se sinuosamente em padrões imprevisíveis. Outra peça de animação de 2001, tábua rasa, coloca esses padrões aglutinantes em movimento.
No trabalho mais ambicioso de Rademeyer até hoje, as enormes peças de piso de madeira apresentadas como parte de profundidade da superfície (Arte moderna e contemporânea de Warren Siebrits, 2004), os rostos intricadamente segmentados de suas esculturas de madeira pulsam com uma complexidade óptica que compete com ela e desafia suas propriedades materiais.
STEFANUS RADEMEYER EM CONVERSA COM FRIKKIE EKSTEEN
FE É difícil decidir se as peças da caixa de luz são esculturas ou desenhos leves. Eles não "substituem o espaço" da maneira que as esculturas convencionais fazem, e parecem criar um novo tipo de espaço ilusionista onde não há. Da mesma forma, às vezes você já se referiu às peças de chão monumentais profundidade da superfície como telas. Os princípios ou preocupações ilusionistas bidimensionais são um aspecto importante do trabalho?
SR Existem preocupações definidas com a dimensionalidade no meu trabalho. É, no entanto, muito diferente do "ilusionismo", como visto na pintura tradicional, onde a tela se torna uma janela para o mundo. Estou mais interessado em noções matemáticas de dimensionalidade. Por exemplo, como as propriedades de um objeto tridimensional podem ser descritas em termos de uma superfície bidimensional ou como um objeto quadridimensional hipotético pode ser mapeado em três dimensões.
FE Você se referiu a si mesmo como um "estruturalista" em uma de nossas conversas. Sei que seu processo de trabalho é muito importante para examinar estruturas - sejam filosóficas, arquitetônicas ou estéticas -, mas você também mencionou a vanguarda eletrônica como uma influência proeminente. Pensar em estruturas musicais informa o trabalho de alguma maneira aparente?
SR Estou interessado na noção de "novidade" - descoberta e criação, em oposição à representação. Eu também acho que a música de vanguarda explora possibilidades expressivas que são verdadeiramente pioneiras. A flexibilidade do meio sonoro permite construir e desconstruir estruturas extremamente complexas ou até fictícias. Mas meu interesse na relação entre arte visual e som não é apenas traduzir o som em imagem. É mais sobre olhar para os motivos operacionais dos músicos, bem como o potencial físico do meio, e aplicá-lo ao meu método de trabalho teórico e estético.
FE Como as peças do piso criadas para profundidade da superfície foram o resultado de um tremendo esforço prático, você acredita que o tempo investido na criação de uma obra de arte é de alguma forma inferido pelo espectador?
SR O tempo investido no trabalho fala de um interesse pessoal no sublime. Para mim, uma expressão que não pode ser quantificada ou aproximada - que de alguma forma escapa à compreensão - pode ser chamada de sublime. É uma invocação de limites. Um dos mecanismos que uso no meu trabalho para sugerir o sublime é a imensa complexidade. E na maioria das vezes, a complexidade visual só pode ser criada em construções meticulosas que contêm milhares de componentes.
FE As superfícies dos objetos que você cria geralmente parecem intocadas. Os recém-chegados ao seu trabalho podem até ser enganados a pensar que foram produzidos industrialmente. Está disfarçando seu envolvimento físico em tornar o trabalho uma escolha consciente?
SR As esculturas têm qualidades ópticas e estruturais únicas, que são fundamentalmente dependentes de execução e construção muito precisas. Para mim, o trabalho celebra um tipo muito dedicado de envolvimento físico, onde cada componente é cortado individualmente e cuidadosamente incorporado nas estruturas maiores. Ironicamente, seria impossível simular os trabalhos de madeira em profundidade da superfície com um processo mecânico ou robótico automatizado. Isso tem que ser feito à mão. Eu os vejo como objetos anti-produção em massa. Frikkie Eksteen é artista, escritor freelancer e professor de artes visuais e multimídia na UNISA

Frikkie Eksteen é artista, escritor freelancer e professor de artes visuais e multimídia na UNISA.


TECIDO SICATRICIAL
Langa Magwa, Amabhabhathane, 2000, detalhes da instalação, dimensões variáveis.
páginas 50-55-3
páginas 50-55-2
Langa Magwa é um escultor no sentido tradicional da palavra: ele produz objetos tridimensionais em metal, madeira e pele. Seu interesse pela pele humana e animal se desenvolveu a partir de uma sensibilidade quando criança, crescendo com a família Xhosa de suas mães no Cabo Oriental. Levar a escarificação do clã Zulu / Swazi de seu pai o marcou como 'estrangeiro' entre seus pares, que passaram a provocar e zombar sem parar as marcas em seu rosto.
Crescer com pouco conhecimento dessa marcação levou a um interesse contínuo, fascínio e pesquisa sobre rituais e práticas tradicionais, particularmente relacionados ao uso de peles de animais e matérias para fins medicinais e rituais. A ausência de informações confiáveis ​​de pesquisa em bibliotecas durante seus estudos no Durban Institute of Technology levou a uma coleta de informações diretamente de idosos rurais através de entrevistas documentadas. Esta informação foi posteriormente alimentada em seus vários projetos de arte.
Um trabalho recente, Imibuzo Yethu, oferece um exemplo. Este trabalho, que documenta o Zulu, altamente metafórico e rico em idiomas, falado em aldeias rurais, bem como o falado em município, funciona como uma reflexão sobre a perda de informações tradicionais e o impacto do idioma depois de traduzido.
"Imibuzo Yethu é um apelo a todos os africanos, especialmente aos jovens, para reviver nossa epistemologia ”, diz Magwa sobre seu projeto. “Embora tenha me beneficiado de uma educação ocidental, também sinto que esse tipo de educação falhou em se localizar na África. Na África do Sul, as palavras de historiadores e antropólogos tiveram um efeito muito prejudicial sobre a psique das culturas indígenas. As palavras dos livros se formaram, não apenas a base de como os europeus encaram os africanos, mas também como nós, como africanos, nos percebemos. Nosso complexo de inferioridade está bem documentado. ”
A interpretação e leitura do trabalho de Magwa não é limitada por uma identidade reducionista política; Essa é uma resposta sustentada e sofisticada ao valor da linguagem e da prática tradicional em uma monocultura global emergente.
Já um jovem artista de destaque, as recentes realizações de Magwa incluem: participação na exposição itinerante Retrato de Grupo: Histórias da Família SA; nomeação para o DaimlerChrysler Sculpture Award de 2002; residência de artista no Festival Nacional de Artes de 2003, em Grahamstown. Ele completou inúmeras comissões públicas e privadas e atualmente está realizando uma grande obra para o Centro Africano em Mtubatuba, no norte de KwaZulu Natal.
Cotação referenciada em www.bkaa.co.za/artist_profile.

Storm Janse van Rensburg é uma curadora sediada em Durban.


O VOCABULÁRIO DA AMBIGUIDADE

Jacki McInnes, Swell II, 2004, detalhe, tiras de chumbo tecidas.

Há mais de 10 anos, Jacki McInnes trabalhou como radioterapeuta no hospital Groote Schuur, onde o chumbo era uma proteção útil contra radiação potencialmente prejudicial. Hoje, ela dobra tiras de metal cinza suave sobre um pedaço de cano de esgoto para tecer uma escultura em seu estúdio em Woodstock.
McInnes seguiu um caminho mais sinuoso para sua vocação. Ela estudou Belas Artes através da Unisa enquanto trabalhava na área médica e em seu segundo ano começou a experimentar sal e chumbo, que se tornaram sua marca registrada. McInnes desfruta de suas poderosas associações metafóricas visuais e ambíguas. "O sal tem impurezas, que criam pigmentos ... e possui propriedades curativas e corrosivas", diz ela. Essa sinergia entre medicina e arte também se desenvolveu tematicamente. A doença se repete em seu trabalho e questões como o aborto alimentaram muitos resultados criativos. Sua arte visualmente atraente não é feita para embelezar o salão.
McInnes tem muito prazer em criar peças que exigem muito trabalho e raramente terceiriza a produção. Ela trabalhará em vários projetos de uma só vez, gesticulando idéias e inspirando inspiração a sua volta. Surpreendentemente, a escultura foi um obstáculo e não uma primeira escolha óbvia nos primeiros anos da Unisa. Mas claramente uma afinidade se desenvolveu ao longo do tempo. Ela diz: “Crio uma imagem usando um objeto em vez de usar uma linha.
McInnes adquiriu um mestrado da Michaelis em 2003, seguido de um aclamado show solo um ano depois (Bell-Roberts Gallery, 2004). Seu trabalho certamente cruza bem com uma estética internacional, mas ela acha que a arte contemporânea sul-africana tem perspectivas atraentes
McInnes, que retornou recentemente de uma residência na Suíça, admira a luta criativa que deixa traços visíveis de intervenção humana. Ela diz: “Muita arte americana e da Europa Ocidental parece bastante clínica com processos técnicos muito modernos. Minha percepção do trabalho sul-africano é que ele é retirado de muitas fontes diferentes e reunido de maneira única na África do Sul. ”

Kim Gurney.