de Setembro de 2008

Art South Africa Volume 7: Edição 01
Gabrielle Golias; Hasan e Husain Essop; Reshma Chhiba; Rowan Smith


WHODUNIT? ELA FEZ!
O TRABALHO RECENTE DE GABRIELLE GOLIATH É TANTO SOBRE O SIGNIFICADO POLÍTICO E HISTÓRICO DO CORPO QUANTO SOBRE O AUTO-AMOR E A AUTO-ORAÇÃO, ESCREVE ANTHEA COMPRAS.
superior - inferior Bouquet III, (painel esquerdo), (painel do meio), (painel direito), 2007, impressão de arquivo, 130 x 26cm.
A primeira aparição pública significativa de Gabrielle Goliath como artista foi em março de 2008, na abertura de uma exposição coletiva. Quatro Contos, hospedado pela Gallery Momo em Parkhurst, Joanesburgo. Ela foi alvo de um tríptico fotográfico e de vídeo intitulado Ramalhete (2007), de ombros nus e à deriva em um fundo preto semelhante a uma piscina. Sua boca ficou aberta e fora dela serpenteava uma panóplia de cachos florais. Ela parecia chocada, brutalizada, mas inconfundivelmente. A verdadeira Gabrielle Goliath, que participou do evento de abertura, ficou em grande parte desconhecida, um detalhe difícil de conciliar com a presença recorrente da auto-imagem da artista em seus trabalhos fotográficos.
Ramalhete é um trabalho sobre "abuso e inocência e sua relação um com o outro", explica Golias. “Quando um indivíduo é submetido a abusos, ele se canoniza; eles se tornam quase santos ”, diz ela. Seu uso do próprio corpo como sujeito neste e em outros dois trabalhos no mesmo programa, EKKE e o Ek é colorido de Kimberly (2007), trata tanto dos significados políticos e históricos do corpo - e do feminino, do corpo colorido em particular - quanto do “amor próprio e do ódio”, diz ela. “Todos nos olhamos no espelho há séculos. Fazemos. Estamos profundamente complexados com todo tipo de pequenas coisas. ” Sua franqueza introspectiva é equilibrada por um fascínio pela bizarra consciência coletiva da África do Sul. Seu veredicto sobre o estado da nação: “A psique nacional está um pouco bagunçada no momento. Uma neurose coletiva meio que se infiltrou em nossas vidas cotidianas ... Pausas para o chá são gastas refletindo sobre as crises nacionais de energia e políticos corruptos; braais são um fórum para polêmicas. ”
Por seu exame crítico da identidade feminina colorida, particularmente em Ek é colorido de Kimberly, uma série de impressionantes retratos fotográficos baseados em desempenho, Golias foi comparado a Tracy Rose. Mas onde Rose parece absorver suas personas de desempenho na vida real, Golias está longe de incorporar alguns dos assuntos agressivos que ela retrata. Em nosso café Rosebank, sua conversa lânguida varia entre discussões equilibradas sobre seu trabalho e tentativa de auto-escrutínio - pontuadas de vez em quando por uma tragada efetiva de um cigarro meticulosamente enrolado e fino.
Antes de embarcar em um diploma de bacharel na Universidade Wits em 2004, Golias completou um diploma de três anos em design de moda. Por que a mudança? “Oh, não posso responder a essa pergunta ... Pareceu uma progressão natural de se fazer. Eu sempre me interessei por moda indecorosa. ” Ela cita os vestidos esculturais “animatrônicos” da estilista Hussein Chalayan como uma grande inspiração, no entanto, desde que pratica arte, ela evita a escultura e agora trabalha principalmente em mídias bidimensionais baseadas em lentes. “Comecei muito tradicionalmente no primeiro ano, enquanto todo mundo estava muito disposto a pular no vídeo e na performance”, diz ela.
Um dos resultados de seu investimento inicial em pintura é uma série de “pinturas de carne” pardas, feitas com formaldeído para preservar a carne crua que ela manchava ou empacotava nas telas. Pergunto-lhe como ela encontrou carne como médium. "Suponho que cheguei a esse ponto da minha vida em que pensei: que porra devo pintar agora?" ela responde. "Muitos grandes pintores pintaram a carcaça, e eu pensei, que tal usar a coisa em si?" Assassinato no sétimo é o título do trabalho atual de Golias em andamento. Isso contribuirá para o seu mestrado na Wits, que ela pretende concluir em 2009. Partindo da redação criminal do romancista inglês PD James, o corpo de trabalho baseado na instalação adota motivos genéricos de histórias de detetive para construir cenas que lembram aquelas tipicamente criadas em o jogo de tabuleiro Cluedo (o mordomo, no conservatório, com o castiçal). Localizando esse trabalho no contexto da sociedade sul-africana, Goliath explica que sua citação do gênero whodunit visa expor um desejo nacional pelo que James chama de "restauração da ordem".
Ela volta à sua preocupação com a psique nacional e oferece uma leitura dela sob essa luz: “O que é essa obsessão pelos males da sociedade? Isso é simplesmente fascinação mórbida? ... acho que não, bem, pelo menos não inteiramente. Pelo contrário, é uma necessidade e desejo de resolução, encerramento, respostas. ”
no sentido horário a partir do canto superior esquerdo Gabrielle Goliath, Ek é colorido de Kimberly (painel esquerdo), (painel do meio), (painel direito), 2007, impressão de arquivo, 78 x 48.5 cm;
Gabrielle Goliath, EKKE, (painel direito), (painel do meio), (painel esquerdo), 2007, impressão de arquivo, 78 x 48.5cm.
Anthea Buys é jornalista independente e crítica de arte do Mail & Guardian.

Sobre Gabrielle Goliath: Nascida em Kimberley (1983), Goliath recebeu seu diploma em design de moda pela Witwatersrand Technikon (atual Universidade de Joanesburgo) em 2003. Atualmente, está trabalhando para a conclusão de um mestrado em belas artes na Wits University. bacharelado em literatura inglesa e belas artes. Vencedora da Art's Alive / JHB City Exhibition e vencedora conjunta do Prêmio Martienssen, ambos em 2007, seu trabalho em vídeo de trabalho, Bouquet II, foi selecionado para as novas assinaturas da Sasol em 2008. Ela participou Quatro Contos, um grupo de curadoria de Thembinkosi Goniwe na Galeria Momo, Joanesburgo.


SOBRE INTENÇÃO E MÉTODO
AS FOTOGRAFIAS CONSTRUÍDAS DE HASAN E HUSAIN ESSOP ENDEREÇAM MAIS DO QUE AS CONTRADICÇÕES ENTRE A MODERNIDADE E A TRADIÇÃO, ISLAM E OESTE, ESCREVE SHAMIL JEPPIE.
superior - inferior Hasan e Husain Essop, Thornton Road, Comida rápida, Passando por,
Treinamento de pitbull, todo 2008, todas as impressoras lightjet C em papel de arquivo Fuji Crystal, todas 70 x 123cm.
Hasan e Husain Essop são gêmeos fraternos, um fato que tem uma impressão distinta em sua arte. Os irmãos, que estudaram fotografia e gravura na Michaelis School of Fine Art da Cidade do Cabo, colaboram intimamente. O meio deles é a fotografia colorida - reformulada radicalmente através da manipulação do computador. A colaboração do par envolve sua própria aparência em todas as suas imagens, e muitas vezes as imagens são divididas perfeitamente para refletir dois lados ou dois eus conectados. Suas imagens são ocupadas e enérgicas, e é preciso olhar com atenção para perceber que um par de gêmeos ocupa o espaço. A junção de várias fotos separadas é realizada sem problemas, seu trabalho finalizado não revela facilmente sua natureza fabricada.
O trabalho de Hasan e Husain Essop parece ser uma cooperação fraterna sem falhas ou falhas. É assim que eles compartilham e vivem na realidade? É esse o amor fraternal dos gêmeos, a parceria espontânea e espirituosa dos gêmeos? Onde estão a rivalidade e a concorrência? Essas últimas questões quase chegam a ser abordadas no trabalho Luta de pitbull (2007), que revela as possibilidades de contestação e competição através do cão agressivo e maligno mantido à distância. O trabalho é autobiográfico, mas também trata de um fenômeno mais amplo em partes do Cape Flats. De forma mais ampla, as fotografias do casal são sobre si mesmas como gêmeas, enquanto falam sobre aspectos da vida no Cape Flats, sobre a juventude muçulmana contemporânea, sobre as contradições de identidade, sobre religião e reflexões específicas sobre suas próprias origens e pertença. Através de suas fotografias, os irmãos parecem estar fazendo perguntas fundamentais que jovens (e mulheres) de sua geração, classe e formação comunitária ou religiosa estão constantemente pressionando e perseguindo. Juntos, eles poderiam ser vistos como partes de um ensaio em desenvolvimento no qual os Essops exploram seus próprios relacionamentos como irmãos; como jovens, homens de classe média, conscientes da marca, nos Cape Flats; como jovens muçulmanos pairando em um espaço liminar, dentro e fora de uma "comunidade" e religião mundial que é objeto de intenso foco na mídia e na política contemporânea. Os irmãos reúnem uma religião de grande idade e disseminação global com a cultura pop em sua combinação de temas e meio de trabalho (isso pode parecer ofensivo para alguns, principalmente para aqueles que querem estreitar os limites da religião e da comunidade). Não faria sentido dizer que o trabalho deles pode ser lido em vários níveis, o que, é claro, é o caso de qualquer arte razoavelmente boa. Seus materiais e a maneira como lidam com os problemas são novos, únicos e atraem o espectador a olhar e olhar novamente. Dois trabalhos recentes merecem uma pausa: Comida rápida (2008), exibido na Art Basel no início deste ano, e Thornton Road (2008). No primeiro, a cultura pop e o consumo combinam-se com um ato de devoção religiosa, enquanto o último trabalho justapõe o ativismo político a marcadores religiosos e comunitários. Inteligentemente intitulado, Comida rápida apresenta os irmãos em uma praia na costa atlântica; eles são mostrados em várias posições de oração, também quebrando o jejum durante o Ramadã com o fast food do McDonald's.
In Thornton Road, eles são jovens muçulmanos nos Cape Flats usando longas túnicas brancas descongelar, Jubbas or Gallabiyas) e enquadrados em posturas de rebelião ou protesto. Mas a imagem dominante é um sinal da Coca-Cola e o consumo da bebida em uma parte da imagem. Rebelião contra o poder, ao mesmo tempo em que consome ou sujeita às marcas globais mais famosas, é uma contradição central da política juvenil muçulmana, parece estar dizendo este trabalho. Motivo recorrente em seu trabalho, presente também em Thornton Road, é a figura do ceifador. Isso seria fácil de perder; esse número poderia facilmente ser mal interpretado como mais um jovem muçulmano em uma longa túnica encapuzada de origem norte-africana. A origem da figura é incerta, possivelmente derivada da cultura popular contemporânea, particularmente do cinema. Seria simplista ler o trabalho dos Essops como simplesmente abordando contradições entre a modernidade e a tradição, o Islã e o Ocidente, e outros binários tão fáceis e, nos dias de hoje, reiterados preguiçosamente. Eles estão fazendo comentários muito importantes e colocando em questão as subculturas dos jovens; eles estão cortando obsessões e ansiedades sobre aspectos da prática religiosa e, ao mesmo tempo, apontam para uma fé contemporânea no consumo. As possibilidades de juventude são fé fervorosa ou consumo obsessivo? Há muito mais sutileza aqui, apesar da cor fascinante e do movimento tagarela que essas obras moldam, e de fato seu tamanho generoso.
Será interessante ver como esses ensaios visuais prosseguem para explorar outras contradições e questões atuais. Os irmãos podem pressionar ainda mais o uso da técnica de duplicação sem se tornarem repetidamente chatos ou solipsistas? Perseguirão seus temas atuais até que eles próprios tenham amadurecido além deles? Seria possível para eles oferecer uma perspectiva pós-gêmeos em seu mundo? Essas são questões que eles terão que resolver, mas, enquanto isso, seu trabalho terá uma tremenda ressonância para muitos públicos em todo o mundo.
Shamil Jeppie é conferencista sênior no departamento de estudos históricos da Universidade da Cidade do Cabo e consultora-chave do Projeto de Manuscrito África do Sul-Mali Timbuktu.

Sobre Hasan e Husain Essop: Nascidos na Cidade do Cabo (1985), os gêmeos Essop completaram seus estudos de arte na Michaelis School of Fine Art em 2006. Eles estreou suas fotografias distintas e colaborativas em A lente carregada (2007), uma exposição de grupo fotográfico na Galeria Goodman Cape. Convidados a participar da décima Bienal de Havana (27 de março a 20 de abril de 2009), seu trabalho apareceu em Spier Contemporary (2007-8), uma exposição de prêmios de viagem e Art Basel, Suíça (2008).


TEMPO E MUDANÇA
TRABALHANDO COM MEIOS DE PINTURA, COSTURA E DIVERSAS LENTES, RESHMA CHHIBA GANHA UMA GRAMA MARCA ESTÉTICA QUE É DISTINTAMENTE SUA PRÓPRIA E CONFORTÁVEL INTER-DISCIPLINAR, ESCREVA ROBYN SASSEN.
no sentido horário a partir do canto superior esquerdo Reshma Chhiba, Despertado, Desenfreada, Despojado,
Contido, todo 2008, toda tinta pigmentada em papel de algodão, todos 60 x 40cm.
Vermelho e preto. Emergindo da recente estréia solo de Reshma Chhiba, barrilha, realizada no Art Exra de Joanesburgo em junho, essas duas cores palpitaram através do plexo solar, deixando uma sensação de contusão. Imagens tradicionais da deusa hindu Kali - também conhecida como deusa negra - refletem sua pele como azul, oferecendo uma chave para a possibilidade de que a violência na exposição de Chhiba possa ter sido metafórica. Mostrar intimidades da cultura familiar na arte contém armadilhas desajeitadas que se situam em algum lugar entre fato e crença, vulneráveis ​​a serem contaminadas pela narrativa. Imbuída nas raízes hindus de Chhiba, barrilha continha um universalismo que provocava arrepios emocionais.
Sentada em sua mesa na Galeria de Arte de Joanesburgo, seu trabalho diário, Chhiba parece tudo menos intrépido investigador dos horrores e sexualidade de Kali. Seu cabelo, uma massa suave de cachos, não ressoa com a desenfreada da deusa. Sua sinceridade em se envolver com o trabalho, no entanto, sim. “Ainda estou esperando o padre vir com seu tridente para me excomungar”, ela sorri. "Minha família não é estritamente ortodoxa - se fosse, provavelmente nunca teria estudado arte -, mas as tradições de onde se originam são."
Chhiba dedicou sua exposição de estreia à avó materna. “Ela era uma mulher de força, casada aos três anos de idade. Ela era analfabeta. Ela veio para a África do Sul na casa dos cinquenta. Ela morreu quando eu tinha 14 anos; Eu nunca fui capaz de conversar com ela. Ela falou Gurajati. Eu deveria ser uma garota que fala Gurajati, mas não sou.
Chhiba fala de muitas línguas, incluindo a física. "Sou professor de dança clássica indiana e pratico Bharata Natyam desde os oito anos." Um vídeo sem título de 2003 combina a gramática da dança clássica indiana com a linguagem de sinais tradicional para explicar a violência contra as mulheres. Não há som - trata-se de inacessibilidade. Você tem que ler a gramática de seus corpos.
Chhiba me leva por vários caminhos até Kali: mitos e lendas a revelam como uma força aterrorizante agressiva, mas também simbólica. “A língua estendida é um sinal de vergonha. Ela está em Shiva, sua consorte, por engano ”, explica Chhiba. “Kali é a deusa do tempo. Os 55 crânios em volta do pescoço representam os alfabetos sagrados do sânscrito; seus muitos braços são sobre desapego. Shiva e Kali juntos representam a vida. A consciência de Shiva; A energia de Kali.
Línguas e cabelos, flores de lótus e gestos, sua exposição parece falar de sexualidade. "Sim", concorda Chhiba, "mas isso não é tudo." Os quatro retratos fotográficos invertidos incluídos no programa são um exemplo disso. Remanescente do trabalho da fotógrafa finlandesa Marjaana Kella, as imagens oferecem quatro estágios da vida de uma mulher hindu, usando o cabelo como significante e os códigos de interpretação, de filho virginal a mulher casada e viúva à própria Kali; as imagens ficam ricas em associação interpretativa. Na verdade, as costas das cabeças são tão reveladoras quanto os rostos, mas bastante assustadoras, pois incorporam um desconhecido.
Chhiba cria retratos de sua mãe torcendo saris através de macas de pintura. Ela representa partes de Kali em obras bidimensionais, misturando costura com pó de kum-kum e numérico, em sua composição espiritual e física. “Kumkum é usado ritualmente. Simboliza energia feminina, sangue menstrual. Tumeric é sobre memória e cura. Minha avó costumava fazer remédios. Também uso carvão moído à mão e cinzas de incenso. Os pigmentos são todos baseados na terra. Eles se relacionam com a mãe, a força de sustentação da vida. ” Inescapavelmente, seu trabalho é físico. Costurando em telas enormes, Chhiba não está contribuindo para a litania feminina: ela está fazendo uma dança.
“Em algum momento, o que estou fazendo será mal compreendido. Meu pessoal estava cético em relação ao meu diploma, mas agora eles escondem o rosto porque - toque na madeira - eu consegui algo ”
Isso ela certamente tem: o impulso de seu show, aquele que agarra e segura você, é a sofisticação de sua visão interna. Trabalhando com pintura, costura e várias mídias baseadas em lentes, Chhiba produz uma gramática estética distintamente própria e confortavelmente interdisciplinar.
Robyn Sassen é editora artística do SA Jewish Report.

Sobre Reshma Chhiba: Nascida em Joanesburgo (1983), Chhiba é bacharel em Belas Artes pela Wits University (2003). Ela participou de inúmeras exposições coletivas, incluindo Mulheres: Fotografia e Novas Mídias na Johannesburg Art Gallery (2006) e Monstros impossíveis (2007) no Art Extra; ela realizou sua primeira exposição individual, intitulada barrilha (2008), no mesmo local. Vencedora conjunta do Prêmio Martiennsen em 2003, foi selecionada pelo Instituto Goethe para treinar e trabalhar como mediadora artística na Documenta12, em Kassel, Alemanha. Atualmente, ela está concluindo seu mestrado em Belas Artes na Wits.


FUTUROS TECNOLÓGICOS NOSTALGICOS
As instalações, as caixas de luz e as intervenções em madeira entalhada de ROWAN SMITH, com tecnologia deficiente, estabelecem um diálogo entre a obsolência e a mudança constante de nomes novos e escritos por Nadine.
Nintendo-Marquetry Joystick 2 600px
no sentido horário a partir do canto superior esquerdo Rowan Smith, Extensões do Universo (detalhe), 2007, mídia mista,
dimensão variável; Rowan Smith, Nintendo Marquetry Joystick 1 (detalhe), 2007, folheado de madeira e cana,
dimensões variáveis. Fotos: Paul Grose; Rowan Smith, Kraftwerk é elétrico, 2007, acrílico a bordo, sete
exibição de segmento e circuito, dimensões variáveis ​​Cortesia Whatiftheworld / Gallery. Foto: Paul Grose.
Os avivamentos retro-futuristas de tecnologia obsoleta de Rowan Smith são tão modernos que parecem ter sido adquiridos no Milnerton Market, o local boêmio de vendas de botas da Cidade do Cabo. Mas o trabalho de Smith não é sobre nostalgia; suas instalações de madeira esculpida, caixas de luz e intervenções com tecnologia extinta lidam com as nostalgias que são inerentes aos nossos futuros projetados.
"Os dias atuais são caracterizados pela rápida progressão da tecnologia", explica Smith, um garoto meio tímido e de olhos azuis que parece se convencer de sua keffiyea. “A revolução digital influencia todos os aspectos da sociedade. Como reação à constante necessidade de atualizar suas habilidades e conhecimentos em relação aos avanços tecnológicos, fiquei interessado em observar coisas que já eram obsoletas e, ao fazê-lo, fui atraído para aquela estética digital muito antiga - das décadas de 1960 e 70, ao mesmo tempo. tempo como a corrida espacial. " Telas de LED, botões grandes, folheado de madeira, aparelhos Nintendo e impressoras matriciais podem parecer lo-fi, mas, como Smith explica, o lo-fi é relativo ao agora. As pessoas na época sonhavam com um futuro em que haveria carros voadores e feriados na lua. Em vez disso, temos telefones celulares, Hummers e a contínua hipérbole da tecnologia que não satisfez essas visões retrô do futuro. Smith cita a noção do crítico de arte Harold Rosenberg de que os futuros não são tão subestimados e que existem tantos futuros definidos para serem constantemente reciclados e reutilizados. Como tal, nossa concepção do futuro anseia pelo que pensávamos que seria possível agora - é como se nossa insatisfação com o presente e suas promessas não entregues gerasse uma sede insaciável de novas tecnologias. Peça de Smith Loop de matriz de pontos (2007) despertou muito interesse quando foi exibido na Feira de Arte de Joanesburgo, em março. Uma instalação que compreende três impressoras desatualizadas, com a alimentação de papel em um loop contínuo, o chip original em cada impressora foi reprogramado para cuspir um dos 50 caracteres humanos para acompanhar o som de porco chorando das impressoras matriciais. A saída no papel é aleatória e infinita - ou seja, até que a impressora atole ou desligue. Os dispositivos periféricos tradicionalmente exigem que os computadores os instruam: as impressoras autônomas de Smith falam claramente de tecnologia autônoma. “Essas três impressoras estão trocando um loop de papel, criando esse mini mundo que é generativo e auto-preenchido”, diz Smith sobre o que acontece com o relacionamento homem-máquina quando a tecnologia começa a pensar por si mesma.
"O relacionamento sutil entre as pessoas do circuito é sempre aleatório e determinado pelas impressoras; portanto, a tecnologia está criando esse mundo, em vez de criarmos um mundo fora da tecnologia". Num futuro hipotético, os humanos podem um dia ficar nostálgicos sobre o poder que atualmente exercem sobre as máquinas; O trabalho de Smith, com seus tempos de mudança, no entanto, pergunta se a tecnologia ainda não assumiu o controle. Com um aterro cada vez maior de tecnologia obsoleta, os seres humanos realmente desejam câmeras digitais com detecção de sorriso ou a tecnologia está impulsionando o rejuvenescimento constante do que há de novo? Esse diálogo entre a obsolescência e as novas mudanças sempre lembra as dúvidas de Theodore Adorno sobre a arte moderna e como "a nova" participou como um mecanismo na geração da cultura de massa. "O novo é o desejo do novo, não o novo em si: é disso que tudo sofre", escreveu ele, cauteloso com o fato de os artistas modernos estarem desvalorizando o objeto de arte, apagando constantemente o presente em sua busca pelo romance. O futuro tecnológico nostálgico de Smith levanta uma comparação inesperada com a constante evolução da noção de artista e do espaço artístico.
"Estou fascinado com a idéia do artista no sentido tradicional e quanto peso isso tem na sociedade, qual é a concepção de pessoa comum de um artista e como isso se relaciona com o que um artista realmente pode ser hoje", diz ele. “É uma coisa fascinante ser artista; é tão bizarro em termos da trajetória da profissão artística. ” Um comentário condizente com sua alma mater, a Michaelis School of Fine Art, Smith traz o corpore de volta ao debate através da incorporação de esculturas tradicionais, talha, fundição, gravura e pintura. Ainda assim, seu trabalho nas artes plásticas não se trata de reviver uma conexão espiritual, catártica ou emocional, mas novamente sobre a nostalgia associada.
“Gosto do fato de que essa percepção existe para muitas pessoas - que as pessoas pensam que agora está imbuída de significado porque minhas mãos o fizeram. Pessoalmente, não invisto na noção. Embora eu possa respeitar a habilidade, em termos de dar mais ou menos significado a uma obra de arte, não faz diferença. ”
Nadine Botha é escritora e editora da revista Design Indaba, sediada na Cidade do Cabo.
Sobre Rowan Smith: Nascido na Cidade do Cabo (1983), Smith se formou na Michaelis School of Fine Art da Cidade do Cabo, onde recebeu o Prêmio Michaelis de melhor aluno graduado em 2007. Ele participou de várias exposições coletivas, incluindo Ainda não é famoso: ninguém gosta de nada (2006) na Galeria Whatiftheworld e Piquenique (2003) na BellRoberts Gallery (sob o pseudônimo colaborativo "Clive Murdock"). Ele apresentou sua exposição solo de estréia na Galeria Whatiftheworld da Cidade do Cabo em agosto de 2008. Seu trabalho está representado na Coleção Hollard, em Joanesburgo.